Das UNESCO-gekrönte Theaterstück „KASSY“ von Andreas Flourakis bietet eine radikale Neuinterpretation antiker Mythen im Kontext moderner Identitätsfragen. Unter der Regie von Athena Zeros verschmilzt die Inszenierung Theater, Tanz, Film und Musik zu einer multidisziplinären Performance. Das Werk nutzt die Figuren Kassandra und Iphigenia, um die Brücke zwischen der Vergangenheit und einer transformativen Gegenwart zu schlagen. Durch einen kollektiven kreativen Prozess von elf Künstlern entsteht eine „Anti-Erzählung“, die patriarchale Strukturen hinterfragt. Dieser Artikel beleuchtet die künstlerische Vision hinter der Inszenierung, die Rolle des Körpers als Zeugnis und die Bedeutung der aktiven Wahrnehmung in einer Zeit gesellschaftlicher Krisen.
Was macht das Theaterstück KASSY zu einer multidisziplinären Performance?
KASSY ist eine hybride künstlerische Arbeit, die die Grenzen zwischen klassischen Gattungen bewusst verwischt, um eine immersive Erfahrung zu schaffen. Anstatt Theater, Tanz, Film und Musik lediglich ergänzend einzusetzen, fungieren sie als gleichberechtigte Sprachen, die den Zuschauer desorientieren und zur neuen Perspektive zwingen sollen.
Die Inszenierung basiert auf einem kollektiven Prozess, an dem elf Künstler aus unterschiedlichen Fachbereichen beteiligt waren. Diese Zusammenarbeit zielte darauf ab, eine sogenannte „Narrative Emergence“ (Erzählungsentstehung) zu ermöglichen. Dabei geht es darum, Bedingungen zu schaffen, unter denen verschiedene Bedeutungsschichten organisch hervortreten können, anstatt einer fest vorgegebenen, repressiven Erzählstruktur zu folgen.
In der Besetzung trifft die Sprache des Theaters auf die des Tanzes: Während Parthenopi Bouzouri die Rolle der Kassandra als Schauspielerin verkörpert, übernimmt Nero Ruplem die Rolle der Iphigenia durch tänzerische Ausdrucksmitteln. Diese Diskrepanz ist beabsichtigt, um die Spannung zwischen den Charakteren zu verdeutlichen, die sich zwar in einem gemeinsamen Konflikt befinden, aber radikal unterschiedliche Ausdrucksformen nutzen.
Die Synergie der künstlerischen Disziplinen
Die Entscheidung, eine Schauspielerin und eine Tänzerin für die Hauptrollen zu besetzen, schafft einen „dritten Raum“. Dieser Raum existiert außerhalb der traditionellen Narrative, die die Heldinnen oft als Opfer definieren. Durch die Interaktion von Körper und Stimme entsteht eine Intensität, die über das rein Textbasierte hinausgeht und die Gewalt der Kriegskonstruktion physisch spürbar macht.
Wie interpretiert Athena Zeros die Figur der Kassandra als „queeren Altar der Zeit“?
Für die Regisseurin Athena Zeros ist Kassandra kein bloßes historisches Opfer, sondern eine „queere Zeitmaschine“, die den Moment der Gegenwart verkörpert. In ihrer Interpretation ist die Gegenwart das Bindeglied zwischen allen Epochen, und der Körper der Kassandra dient als Portal, um Zugang zu dieser Unmittelbarkeit zu finden.
Die Inszenierung weigert sich, Kassandra in einer patriarchalen Zeitrechnung festzuhalten, in der sie lediglich als Beute oder als prophetisches Opfer dient. Stattdessen wird sie als eine Figur dargestellt, die durch ihre Weigerung, sich der rationalistischen Geschichtsschreibung zu unterwerfen, Widerstand leistet. Ihr Bewusstsein wird zu einem Akt der Rebellion gegen die Normalisierung von Gewalt und die Unterdrückung der Wahrheit.
Zeros betont, dass die Zukunft nichts anderes als ein weiteres „Gegenwart-Sein“ ist, das in unseren Körpern und in der Erde bewahrt wird. Indem wir die Gegenwart bewusst wahrnehmen, werden wir selbst zu Akteuren, die den Fluss der Zeit nicht nur passiv erleben, sondern aktiv mitgestalten.
Welche Rolle spielt die Verbindung von antiker Mythologie und queeren Identitäten?
Die Inszenierung nutzt die antike Mythologie nicht als statisches Relikt, sondern als lebendiges Fragment, das moderne geschlechtliche und soziale Erfahrungen widerspiegelt. Zeros argumentiert, dass die Trennung zwischen Antike und Moderne eine künstliche Konstruktion der Geschichtsschreibung ist, die die körperliche Erfahrung der Zeit ignoriert.
Ein zentraler Aspekt ist die Rückbesinnung auf die geschlechtliche Vielfalt in der Antike. Die Regisseurin verweist auf historische und mythologische Vorbilder wie die Enarees, die Galloi oder die Göttin Inanna, die für ihre Fähigkeit bekannt war, das Geschlecht zu transformieren. Diese Bezüge dienen dazu, die heutige queere Identität in eine lange, wenn auch oft unterdrückte, Geschichte einzubetten.
Durch diese Perspektive wird der Mythos dekonstruiert. Er wird nicht einfach nur „modern gelesen“, sondern als ein überzeitliches Element verstanden, das zeigt, dass Identitäten und Geschlechterrollen seit Jahrtausenden in ständiger Transformation begriffen sind. Die Mythologie liefert hier die architektonischen Fragmente, die eine neue Sicht auf die heutige Existenz ermöglichen.
Warum ist das „Hören“ in der Inszenierung als Heilmittel gegen Schweigen konzipiert?
In KASSY wird das Zuhören als eine körperliche Praxis und als „Gegengift zum Trauma des Verschweigens“ definiert. Die Inszenierung schafft durch die Anordnung des Publikums – in zwei gegenüberliegenden Reihen sitzend – eine Atmosphäre des Zeugnisablegens, in der jeder Zuschauer zum aktiven Beobachter und Zeugen wird.
Die Regisseurin stellt fest, dass dominante Erzählungen in der heutigen Gesellschaft oft versuchen, Menschen durch „Gaslighting“ zu manipulieren, damit sie der offensichtlichen Ungerechtigkeit, wie etwa Genoziden oder geschlechtlicher Gewalt, misstrauen. Das Theater bietet hier einen geschützten Raum, in dem das Durchbrechen des Schweigens durch die Wahrheit eine existenzielle Kraft entfaltet.
Das Zuhören der Iphigenia fungiert in diesem Kontext als ein Akt der Solidarität. Es geht darum, die Stimmen derer zu hören, die durch politische oder gesellschaftliche Strukturen zum Schweigen gebracht werden sollen. Die Kunst schafft so einen Raum, der die Aufmerksamkeit auf das lenkt, was zwischen den Menschen existiert, und die Isolation durch die kollektive Erfahrung des Hörens aufhebt.
Was ist die Bedeutung des Körpers als Medium der Wahrheit?
Der Körper wird in der Performance als ein Instrument eingesetzt, das Wahrheiten offenbaren kann, die der Sprache oft verborgen bleiben. Während Worte manipuliert oder durch politische Narrative verzerrt werden können, besitzt die Bewegung des Körpers eine unmittelbare, energetische Ehrlichkeit.
Durch Tanz und physische Präsenz wird die emotionale Intensität des Augenblicks verstärkt. Der Körper aktiviert den Raum und fokussiert die Energie des Publikums auf die reine Existenz der Performer. In einer Welt, die zunehmend durch abstrakte Informationen und digitale Vermittlung geprägt ist, fungiert der physische Körper als Anker der Realität.
Die Inszenierung zielt darauf ab, dass die Zuschauer den Raum mit einer tiefen Sensibilität für die körperliche Präsenz verlassen. Das Ziel ist es, die Erkenntnis zu vermitteln, dass jeder Mensch in den turbulenten Zeiten der Gegenwart ein „Altar“ ist – ein Ort, an dem die Wahrheit der eigenen Existenz und die Wahrnehmung der Welt zusammenkommen.
FAQ: Häufig gestellte Fragen zu KASSY
Was ist das Hauptthema des Theaterstücks KASSY?
Das Stück behandelt die Dekonstruktion von Machtstrukturen, Gewalt und Geschlecht durch die Linse der antiken Mythen von Kassandra und Iphigenia. Es thematisiert den Widerstand gegen das Verschweigen von Wahrheit und die Bedeutung der körperlichen Präsenz in einer politisch instabilen Welt.
Wer sind die Hauptverantwortlichen hinter der Produktion?
Das Werk wurde von Andreas Flourakis geschrieben und von Athena Zeros inszeniert. Die Produktion entstand durch einen kollektiven Prozess unter Beteiligung von elf Künstlern aus verschiedenen Disziplinen wie Tanz, Musik und Film.
Wie unterscheidet sich die Inszenierung von klassischen Mythos-Darstellungen?
Anstatt den Mythos rein historisch zu betrachten, nutzt KASSY eine „queere Zeitperspektive“. Die Charaktere werden nicht als statische Opfer dargestellt, sondern als aktive Agenten der Gegenwart, die durch Tanz und multidisziplinäre Medien eine neue Erzählweise schaffen.
Welche Rolle spielt das Publikum in der Aufführung?
Das Publikum nimmt eine Zeugnisrolle ein. Durch die spezifische Sitzordnung wird eine direkte Konfrontation und ein Austausch zwischen den Darstellern und den Zuschauern gefördert, was die Erfahrung des „Miterlebens“ und „Bezeugens“ verstärkt.
Warum wird das Thema Gender in diesem Stück so stark betont?
Die Regisseurin nutzt die Geschichte der Geschlechtertransformation (wie bei Inanna oder den Enarees), um zu zeigen, dass queere Identitäten keine modernen Erfindungen sind, sondern tief in der menschlichen Geschichte verwurzelt sind und die Zeit überdauern.
Key takeaways
- KASSY verbindet Theater, Tanz, Film und Musik zu einer multidisziplinären Performance.
- Die Inszenierung nutzt eine queere Perspektive, um antike Mythen neu zu interpretieren.
- Das Werk setzt auf „Narrative Emergence“ statt auf starre, vorgegebene Handlungsstränge.
- Der Körper wird als primäres Medium für Wahrheit und Widerstand gegen Schweigen eingesetzt.
- Die Produktion betont die Bedeutung des aktiven Zeugnisablegens in Krisenzeiten.
Abschlussbetrachtung
„KASSY“ erweist sich als weit mehr als eine bloße Neuinterpretation antiker Stoffe; es ist ein radikaler Versuch, die Verbindung zwischen dem Individuum, seinem Körper und der Zeit neu zu definieren. Durch die Verwebung von Mythos und moderner Queer-Theorie schafft die Inszenierung einen Raum, der die Grenzen zwischen Vergangenheit und Zukunft auflöst. In einer Ära der Desinformation und des kollektiven Schweigens fordert das Stück dazu auf, die Gegenwart als einen Ort des aktiven Widerstands und der tiefen Wahrnehmung zu begreifen. Es erinnert uns daran, dass die Wahrheit oft in der Unmittelbarkeit des Körpers und im mutigen Akt des Zuhörens zu finden ist.