In ihrer aktuellen Ausstellung im Ammophila Space setzen sich die Künstler Vasilis Galanis und Fiona Spathopoulou mit der komplexen Schnittstelle zwischen Geschichte und Moderne auseinander. Sie untersuchen die paradoxe Verbindung zwischen uralten, archaischen Symbolen und der flüchtigen, oft chaotischen Ästhetik der heutigen digitalen Ära. Dabei beleuchten sie Phänomene wie KI-Slop und die Konstruktion von Avataren als neue Ausdrucksformen der Identität. Die Arbeiten werfen die Frage auf, wie tief verwurzelte kulturelle Muster in einer Welt aus Pixeln und Algorithmen fortbestehen und wie die Vergangenheit die digitale Gegenwart ständig heimsucht.
Wie überdauern archaische Symbole in der digitalen Ära?
Die Ausstellung untersucht die paradoxe Koexistenz von uralten Mustern und hochmoderner Technologie. Während digitale Bilder in einer Geschwindigkeit entstehen und verschwinden, die oft als „Brainrot“ oder exzessives „Doom-scrolling“ wahrgenommen wird, bleiben bestimmte visuelle Strukturen beständig. Die Künstler Vasilis Galanis und Fiona Spathopoulou zeigen, dass hinter der Oberfläche von Memes und Avataren eine tiefere, historische Kontinuität liegt.
Das Duo nutzt die Ausstellung, um aufzuzeigen, wie Symbole durch verschiedene Epochen und Medien wandern. Was einst als analoges Zeichen begann, transformiert sich heute in Pixel, Polygone oder algorithmisch generierte Fragmente. Die Ausstellung stellt die Frage, ob diese digitale Flut tatsächlich eine neue Form der Entfremdung darstellt oder ob sie lediglich eine neue Bühne für uralte menschliche Ausdrucksformen ist. In einer Welt, in der Bilder scheinbar ohne Kontext konsumiert werden, versuchen die Künstler, die Verbindungslinien zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart sichtbar zu machen.
Welche theoretischen Konzepte liegen der Ausstellung zugrunde?
Die konzeptionelle Basis der Ausstellung ist der unvollendete „Mnemosyne-Atlas“ von Aby Warburg. Warburgs Ansatz, die Wanderung von Bildern und deren emotionaler sowie symbolischer Gehalt über Jahrhunderte hinweg zu verfolgen, dient als Leitfaden für die Untersuchung der heutigen Bildökonomie. Die Künstler wenden diese Methode einer Art „Medienarchäologie“ an.
Anstatt nur die Oberfläche der digitalen Welt zu betrachten, graben Galanis und Spathopoulou nach den Wurzeln der visuellen Sprache. Sie untersuchen die Übergänge zwischen verschiedenen Zuständen der Repräsentation, wobei sie die historische Tiefe der Symbole gegen die Flüchtigkeit der digitalen Medien abwägen. Die Untersuchung umfasst dabei folgende Dimensionen:
- Vom Analogen zum Digitalen: Die physische Spur, die in den digitalen Raum übergeht und dort ihre Form verändert.
- Von der Tradition zum KI-Slop: Die Mutation von kulturellen Symbolen durch intransparente Algorithmen und künstliche Intelligenz, die neue, oft unvorhersehbare visuelle Realitäten schaffen.
- Vom Individuum zum Avatar: Die Transformation der Identität in virtuellen Welten, wo das Selbst durch digitale Masken ersetzt wird.
Die Ausstellung thematisiert dabei auch die tiefe Spannung zwischen der philosophischen Vermutung, dass alles miteinander verbunden ist, und der modernen, existentiellen Angst, dass in der digitalen Fragmentierung jegliche echte Verbindung verloren geht. Es bleibt die Frage offen, ob die digitale Vernetzung die menschliche Erfahrung erweitert oder sie in einem Meer aus bedeutungslosen Reizen ertränkt.
Die Rolle der künstlichen Intelligenz und des Algorithmus
Ein zentraler Aspekt der Untersuchung ist der sogenannte „AI Slop“ – die Flut an minderwertigen, rein algorithmisch generierten Inhalten, die das Internet überschwemmen. Die Künstler setzen sich intensiv mit der Frage auseinander, wie diese automatisierte Bildproduktion die menschliche Symbolik beeinflusst oder gar verzerrt. Wenn Algorithmen entscheiden, was wir sehen, verschiebt sich die Kontrolle über die kulturelle Erzählung.
Die Unvorhersehbarkeit der Algorithmen wird hierbei als eine neue Form der Entropie verstanden, die die visuelle Kultur radikal verändert. Die Künstler hinterfragen, ob die KI lediglich bestehende Muster rekombiniert oder ob sie eine völlig neue, entfremdete Form der Bildsprache erschafft, die sich der menschlichen Interpretation entzieht. Dieser Prozess der automatisierten Bildgenerierung wird als eine Herausforderung für die traditionelle Vorstellung von Urheberschaft und Bedeutung begriffen.
Mit welchen künstlerischen Mitteln wird die Ausstellung umgesetzt?
Die Werkauswahl im Ammophila Space ist vielschichtig und nutzt eine breite Palette an Techniken, um die Brücke zwischen den Medien zu schlagen. Die Arbeiten reichen von klassischen Zeichnungen bis hin zu komplexen digitalen Installationen, was den hybriden Charakter des Themas widerspiegelt.
Zu den verwendeten Medien gehören:
- Traditionelle Techniken: Zeichnungen, Ölgemälde auf Holzplatten und Trockenradierungen, die jedoch oft digitale Motive behandeln und so die Grenze zwischen Handwerk und Technologie verwischen.
- Digitale Formate: Videos, Installationen und Arbeiten, die direkt auf Bildschirmen entstehen, wie etwa die im Detail gezeigte Trockenradierung auf einem Bildschirm.
- Hybridformen: Werke, die Elemente aus der digitalen Spielkultur integrieren, wie etwa das Videospiel „Age of Empires“. Hier werden die Mechanismen von digitalen Kriegen, Simulationen und der damit verbundenen kulturellen Identität untersucht.
Diese methodische Vielfalt spiegelt die im Titel genannte „Vielzahl der Möglichkeiten“ wider. Durch den Einsatz so unterschiedlicher Werkzeuge zwingt die Ausstellung den Betrachter, die eigene Wahrnehmung von „echter“ Kunst und „digitaler“ Produktion zu hinterfragen und die materielle Basis hinter dem virtuellen Bild zu erkennen.
Wer sind die Köpfe hinter dem Projekt?
Das Künstlerduo besteht aus zwei Profilen, die jeweils eine starke Verbindung zu Theorie und Praxis besitzen. Seit 2024 arbeiten sie gemeinsam an der Erforschung der Überlebensfähigkeit von Bildern und der Art und Weise, wie das Vergangene das technologische Heute beeinflusst.
Fiona Spathopoulou
Fiona Spathopoulou ist eine in Athen ansässige Künstlerin mit einem interdisziplinären Hintergrund. Sie studierte Psychologie an der Universität Toulouse II und Bildende Künste an der Universität Paris 8 (BA, MA). Ihre akademische Spezialisierung in Digitalen Kunstformen (Master an der Staatlichen Kunstakademie Athen, 2021) ermöglicht ihr eine fundierte Analyse der psychologischen Auswirkungen digitaler Medien auf das Individuum. Sie arbeitet häufig mit NGOs und Festivals zusammen, um künstlerische Projekte mit gesellschaftlicher Relevanz zu verknüpfen und die Schnittstelle zwischen Mensch und Medium zu erforschen.
Vasilis Galanis
Vasilis Galanis verbindet künstlerische Praxis mit tiefgehender philosophischer Forschung. Er ist Doktorand der Philosophie an der Universität Kreta. Bereits 2022 wurde er als Fellow des Künstlerförderprogramms der Stavros Niarchos Foundation (SNF) ausgezeichnet. Sein Fokus liegt auf der Untersuchung der historischen Transformation von Medien und der Frage, wie das kulturelle Erbe in die neuen technologischen Landschaften der Gegenwart hineinwirkt und diese „geisterhaft“ beeinflusst.
FAQ: Häufig gestellte Fragen zur Ausstellung
Wann findet die Ausstellung statt?
Die Ausstellung „Atlas of Images for the Chronically Online“ läuft vom 24. September bis zum 11. Oktober 2026. Die Eröffnung findet am 24. September um 19:00 Uhr statt, während die Präsentation der Edition am 11. Oktober um 18:00 Uhr geplant ist.
Wo kann man die Werke besichtigen?
Die Werkausstellung wird im Ammophila Space in der Arápaki 120, Kallithea (Postleitzahl 17676), präsentiert. Die Öffnungszeiten sind jeweils mittwochs, freitags und samstags von 18:00 bis 21:00 Uhr.
Was bedeutet der Begriff „Chronically Online“ im Kontext der Kunst?
Der Begriff bezieht sich auf Personen, deren Leben und Wahrnehmung stark durch die ständige Nutzung digitaler Medien geprägt sind. In der Kunst beschreibt er die Ästhetik und die psychologischen Zustände – wie etwa das „Doom-scrolling“ –, die aus einer permanenten digitalen Präsenz resultieren.
Welchen Bezug hat Aby Warburg zur Ausstellung?
Die Ausstellung ist von Warburgs „Mnemosyne-Atlas“ inspiriert. Warburg untersuchte die Wanderung von Bildern durch die Zeit. Die Künstler wenden dieses Prinzip auf die heutige digitale Welt an, um zu zeigen, wie sich archaische Symbole in digitale Pixel verwandeln.
Welche Themen werden in den Kunstwerken behandelt?
Die Werke behandeln Themen wie die Evolution von Avataren, die Auswirkungen von KI-generierten Inhalten (AI Slop), die digitale Identität in Videospielen und die Verbindung zwischen analoger Geschichte und digitaler Entropie.